I.
In der erstmaligen Anschauung der Werke Udo Nögers stellen sich unmittelbar Fragen ein, die sich auf das Phänomen Bild beziehen. Sind diese Werke tatsächlich durch einen malerischen Prozeß entstanden? Ist es Malerei oder gilt es, besser von Objektkunst zu sprechen? Und ferner: Wie erreicht der Künstler diese Tiefendimension, wie ihre „Gegenständlichkeit“? Sind die Werke von Innen beleuchtet?

Diese Fragen richten sich in aller Regel an die Ausdrucksqualiät sowie den Entstehungsprozeß der Werke. Hiervon gilt es, die Ideendimension der Kunst Udo Nöger zu unterscheiden.

Wer den Maler von Beginn seiner künstlerischen Karriere kennt, wird die objektartigen Werke der letzten Dekade von den malerischen Werken der späten 80er und frühen 90ern unterscheiden. Dennoch ist es wichtig zu betonen, dass Udo Nöger in seiner künstlerischen Arbeit prinzipiell immer von dem Begriff ‚Bild’ ausgeht, also in Bildkategorien denkt. Auf den ersten Anschein mag dies abwegig erscheinen: Doch die dreidimensionalen Arbeiten unterstützt sein Kunstwollen. Es ist weder eine Instanz, die sich konkurrenzierend gegen das Bild richtet, noch eine, die das Bild verhindert.

In Bezug auf die Werke Udo Nögers der letzten zehn Jahre ist bereits einiges über Licht, Raum, Monochromie und Objekt gesagt worden, zuletzt von Florian Steininger im Ausstellungskatalog „Light as a material II“. Um zusammen zu fassen, aber auch zu ergänzen, sei Folgendes angemerkt. Die Werke Udo Nögers bestehen aus drei hintereinander mit Abstand auf den Keilrahmen aufgezogenen Leinwänden. Die vordere und hintere beziehen sich auf die mittlere, aus der der Künstler Formen ausschneidet: Ovalartiges, Rundformen, Stäbe etc. Diese werden bisweilen  mit Farbe bearbeitet. Die vorderste Leinwand wird zuletzt aufgespannt, nachdem sie vorher mit Mineralöl behandelt wurde. Dies sichert das Durchscheinen des Innenlebens der Bilder, ihre Transluzenz. Es ist diejenige Instanz, die das von Außen eindringende Licht konserviert.

II.
Diese Werke zu realisieren, setzt voraus, daß man als Maler über ausreichende Erfahrung sowie tiefere Einsicht in die Geschichte der Kunst verfügt. Udo Nöger ist ein vielgereister Künstler, der sich aus der provinziellen Enge seiner Heimat, dem in Westfalen liegenden Enger, freimachte, um in den 90er Jahren in die USA auszuwandern und sich dort mithilfe eines Stipendiums in Denver, später New York,  aufzuhalten. Stationen in Zentralspanien, auf der Insel Mallorca und in ganz Europa verstärkten ihn in der Ansicht, sich an diesen für ihn wichtigen Plätzen der Welt immer intensiver mit dem Miteinander von Kunst und Natur auseinander zu setzen.

Von einer expressiv-figurativen Malerei in den 80ern über objektartige Werke ähnlicher Gestaltung zu Beginn der 90er führte Udo Nögers Weg schließlich zur Enthaltsamkeit gegenüber Farben und Formen, zur Einsicht gegenüber dem Phänomen ‚Bild’ als einer Einheit, die durch Spannung definiert ist.

Die Werke in diesem Buch resultieren für mich aus der Summe der sinnlichen Erfahrungen aus dem Leben Udo Nögers. Mit „bewaffnetem Auge“ die Welt erschließend, gelangte der Künstler zu einer Reduktion seiner Elemente, die in der zeitgenössischen Kunst beispielhaft ist. Es ist die Schönheit in der Natur, die er bewußt erlebt, um sie hernach in seine Bilder zu transformieren; immer wieder und jedes mal mit neuer Begeisterung.

Die Bilder, wenn man diesen Terminus für diese Werke einmal voraussetzt, beziehen sich in ihrer formalen und inhaltlichen Substanz auf die abendländische Kunstgeschichte. Es ist das Licht, welches den Künstler fasziniert und der diesem in seinem Werk einen ehernen Platz sichert. Dieses Bildlicht will nicht auf ewig gleich scheinen, sondern reagieren.

Udo Nögers Bilder gehorchen einer Lichtregie,  die einen wachen Zustand von einem zurückgezogenen Sein unterscheidet. Das Licht ist permanent und doch ist es immer anders. Im Inneren des Bildes ist es immer dann intensiv, wenn die Lichtquelle eine natürliche ist. Bei künstlicher Bestrahlung verändert sich das Wesen der Bilder. Wir spüren ein verändertes Sein.

Licht repräsentiert in der Werken des 17. Jahrhunderts, bei Caravaggio genau so wie bei Rembrandt oder Georges de la Tour, Schönheit. Es ist Schönheit, Intensität und Stärke, die die Werke dieser Künstler, die sich mit dem Phänomen Licht intensiv auseinandergesetzt haben, auszeichnet. Die Impressionisten des 19. Jahrhunderts haben den Impuls aufgegriffen, um alltägliche Szenen zu nobilitieren oder gesellschaftliche Vorgänge zu kritisieren. Es ist evident, daß Udo Nöger nicht impressionistisch arbeitet. Allerdings scheinen nahezu alle seine Werke das flüchtige Element jener Periode, das Fließende und Verflüchtigende durchaus aufzunehmen.

Bei zahlreichen zweigeteilten Werken zeigt sich dieses Interesse für einen Übergang zwischen dem Materiellen und Immateriellen deutlich. Werke wie „Licht schlafend“, „Ineinander findend“ oder „Gleiches getrennt durch Anderes“ mögen Hinweise hierfür sein. Andere wiederum wie „Lichtarena 2“ formen erst gar keine materiell wirkenden Stäbe oder Kreise aus, sondern deuten bereits ein – gleichsam hingehauchtes – Oval an.

Das Entziehen der figürlichen Kräfte der bildimmanenten Gegenstände scheint ein weiteres Thema in der Kunst Udo Nögers zu sein. Seinen Werken ist eine dialektische Struktur inne, die es ihm erlaubt, je nach kompositionellem Gestaltungsprozeß immer wieder andere Formen aufzunehmen. Die dialektische Struktur besteht nicht nur in einer formalen Zweiteilung, sondern bildet den Ausgangspunkt seiner Bilder. Das Interesse für Nähe und Ferne, für materielles Erscheinen und immateriellen Übergang, von fast monochrom wirkenden Arbeiten bis hin zu expressiveren Werken, letztlich von Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit ist Ausdruck eines Interesses, welches sich als ein dialektisches, und hierin zutiefst menschliches definiert. Wärme – Kälte, Flüssig – Fest und weitere Gegenüberstellungen bestimmen irdisches Sein. Und gerade an diesem orientieren sich diese Werke.

Licht ist von dieser Perspektive aus gesehen für Udo Nöger nichts anderes als ein sich Hinwenden zur Existenz, zur Welt. Diese besteht für den Künstler nicht aus einem weitläufigen Irrgarten voller Formen, sondern aus der Konzentration auf wesentliche Elemente. Seine Entscheidung, statt gemalter Bilder Bildkörper, Bild-Objekte herzustellen, steht offensichtlich in diesem Zusammenhang.

Das Objekt ist eines, welches man haptisch wahrnimmt, nicht nur in der Illusion. Der Zusammenhang zu Werken Lucio Fontanas, der seine weißen Bilder mit einem eleganten Schnitt in dreidimensionale Werke transformierte, ist bei Udo Nögers häufig dargestellt worden. Die Bilderfindung Fontanas liegt mittlerweile über fünf Jahrzehnte zurück und meines Erachtens ist für Udo Nögers Bild-Objekte dieser Zusammenhang nicht von Relevanz, da sein Wirken von vornherein auf eine Dreidimensionalität ausgerichtet ist. Das Werk Nögers definiert sich daher gänzlich anders: es bleibt ein Bild. Bild ist es deshalb, da es eine Anschauungsebene bevorzugt, nämlich das Schauen von vorne. Die Seiten des Werkes spielen bei der Betrachtung eine eher untergeordnete Rolle. Das Werk erschließt sich uns durch Schichten, die wir von vorne erkennen müssen.

Zugleich sind die Arbeiten Udo Nögers Objekte deshalb, da die herkömmliche Zweidimensionalität überwunden ist. Allerdings nicht unter einem „negativen“ Aspekt, sondern durch die Erkenntnis einer Notwendigkeit. Wenn es darum geht, eine Bildaussage zu schaffen, in der Licht, Raum und Material den gleichen Rang innehaben, müssen  Objekte entstehen.

Die Farbe Weiß, die im engeren Verständnis von Farbtheorien eine Nicht-Farbe ist, eignet sich für den hier beschriebenen künstlerischen Zusammenhang am besten. Im Weiß sammeln sich alle Farben bzw. heben sich alle Farben auf. Daher ist die Farbe Weiß eine Art Matrix, eine Keimschicht, aus der sich die Welt der Farbe entwickelt bzw. in die sie sich zurück zieht. Im 20. Jahrhundert haben besonders die Künstler der Gruppe ZERO, Otto Piene, Heinz Mack und Günter Uecker, sich über einen längeren Zeitraum mit dem Phänomen Weiß beschäftigt. Ihr Anliegen war es, die 50er Jahre, die sich durch eine Hinwendung zu malerischen Prozessen auszeichnete, im Sinne einer Entgrenzung des Tafelbildes zu überwinden und an die historische Avantgarde, u.a. an Marcel Duchamp anzuschließen.

Udo Nögers Bild-Objekte beziehen sich nicht unmittelbar auf ZERO, ganz gleich, ob er sich mit der Farbe Weiß auseinandersetzt oder nicht. Sie definieren sich auch nicht als aggressive Werke mit Elementen, die in den Raum hinein ausströmen, wie dies beispielweise bei den Nagel-Objekten von Uecker geschieht. Vielmehr gilt es von einer sensiblen Kunst zu sprechen, die ebensolche sensible Betrachterinnen und Betrachter erwarten. Die Sinnesphysiologie definiert mit Sensibilität eine Fähigkeit des menschlichen Nervensystems, auf Umwelteinflüsse mit Sinneseindrücken und Sinnesempfindungen zu reagieren. Sensibilität bedeutet die Aufnahme und Integration der auf uns zukommenden Erregungen. Oberflächensensibilität und Tiefensensibilität bilden hierbei eine Ganzheit, die sich dadurch auszeichnet, dass der Mensch seine Welt der Empfindung mit einem körperlichen Ausdruck verbindet. Bei der Betrachtung der Werke Udo Nögers geschieht aufgrund ihrer sensiblen Struktur bei uns genau dies. Der Wille zur Berührung des Bildes, seiner Oberfläche ist immens stark. Unsere Ratio sagt uns, daß wir als erwachsene und vernünftige Menschen dies nicht tun sollten. Manchmal obsiegt unsere Emotion. Wir haben die Kunst verstanden.

I.
When looking at the works of Udo Nöger for the first time, questions immediately crop up relating to the phenomenon of the picture per se. Are the works really a product of a painterly process? Is it painting or would it be better to speak of object art? And furthermore: how does the artist attain this dimension of depth, how its "objectivity"? Are the works lit from within?

As a rule, these questions revolve around the quality of expression and the creative process producing the works. Here we have to differentiate the dimension of ideas in the art of Udo Nöger.

Anyone familiar with the painter from the start of his artistic career sees a difference between the objective works of the last decade and the painterly works of the late eighties and early nineties. Nevertheless, it is important to stress that in principle Udo Nöger always bases his art on the concept of 'painting', in other words he thinks in pictorial categories. At first this may seem odd, yet his artistic will underpins the three-dimensional works. It is neither a matter of rivalling the painting, nor presenting an obstacle to it.

Regarding Udo Nöger's works of the last ten years, several things have been said about light, space, monochromy and object, most recently by Florian Steininger in the exhibition catalogue "Light as a material II". To summarize, yet also to augment this, we should note the following. Udo Nöger's works consist of three canvases mounted on the canvas stretcher each at a distance behind the other. The front and rear canvases relate to the middle one, out of which the artist cuts various forms: oval shapes, round forms, bars, etc. These are occasionally worked with paint. The front canvas is mounted last, after being treated with mineral oil. This ensures the translucency of the inner life of the paintings. It is the very thing that preserves the light penetrating from outside.

II.
In order to create these works, the painter must first avail of sufficient experience as well as deeper insight into art history. Udo Nöger is a much-travelled artist who broke out of the narrow confines of his provincial hometown, Enger in Westphalia and emigrated in the nineties to the USA, where, with the support of a scholarship, he spent time in Denver and later New York. Periods in Central Spain, on the island of Mallorca and in the whole of Europe strengthened his conviction that these places in the world were important for him and provided the environment to engage more and more intensively in the interconnection of art and nature

Udo Nöger's way led him from an expressive-figurative style of painting in the eighties and objective works of similar composition in the early nineties in the end to abstinence from colours and forms, to insight into the phenomenon of the 'picture' per se as a unity defined through charged polarities.

For me, the works in this books result from the summation of sensuous experience in the life of Udo Nöger. Accessing the world with an "armed eye", the artist arrived at a reduction of his elements  that is without parallel in contemporary art. It is the beauty of nature, that he experiences in all awareness in order to transform it afterwards in his pictures; time and again, and each time with new exhilaration.

The paintings – if we apply this term to the works from the start – are related in the substance of their technique and content to the canon of western art. It is light that fascinates the artist and he assures a firm place for it in his work. This light in the paintings does not want to shine evenly for ever, but wants to react.

Udo Nöger's paintings obey a light scenario which distinguishes between a state of being awake and a withdrawn state of being. Light is permanent and yet always different. Intensity in the inside of the picture is always then best achieved when the light source is natural. Directing artificial light on it changes the essence of the picture. We sense a changed state of being.

Light represents beauty in the works of the seventeenth century, whether by Caravaggio, or Rembrandt, or Georges de la Tour. It is beauty, intensity, strength that mark the works of these artists, who were engaged in intensive preoccupation with the phenomenon of light. The impressionists of the nineteenth century took up this impulse to enhance everyday scenes or criticize social processes. It is obvious that Udo Nöger does not work with impressionism. However, nearly all his works are infused throughout with the volatile element of that period, its flux and fleeting evanescence.

Numerous works of two parts clearly demonstrate this interest in a transition between the material and immaterial. Works such as Licht schlafend (Light sleeping), Ineinander findend (Finding in each other) or Gleiches getrennt durch Anderes (Same separated by other) point to this. On the other hand, works such as Lichtarena 2 do not depict any bars or circles that seem material, but now only suggest an oval – as though whispered onto the surface.

The renunciation of the figural forces of objects immanent in the painting implies another theme in the art of Udo Nöger. There is a dialectic structure inherent in his works that allows him to adopt constantly different forms according to the creative process. This dialectic structure consists not only in a technical division into two, but forms the launching point of his paintings. The preoccupation with near and far, with material appearance and immaterial transition, ranging from almost monochrome-seeming works to more expressive ones, dealing in the end with visibility and invisibility, is expression of an interest that defines itself as dialectic, and in this as most profoundly human. Hot – cold, liquid – solid and other polarities determine earthly existence. And this is just what his works are oriented on.

From this perspective, light for Udo Nöger is nothing other than an orientation of oneself towards existence, to the world. For the artist, this does not consist of a rambling maze full of forms, but the concentration of essential elements. It is evident that his decision to make picture-objects and not only paintings is placed within this context.

The object is something that can be perceived palpably, not only in illusion. Udo Nöger's works have frequently been mentioned in connection with Lucio Fontana's, who transformed his white paintings with an elegant slit into three-dimensional works. Fontana's pictorial invention in the meantime goes back over five decades, and in my opinion this connection has no relevance to Udo Nöger's picture-objects, since right from the start his work is oriented on three-dimensionality. So Nöger's work defines itself as something completely different: it remains a painting – painting, because it presupposes a certain viewing angle, namely, the view from the front. The sides of the work play a subordinate role for the observer. The work is accessible to us through layers which we have to perceive from the front.

At the same time, Udo Nöger's works are objects, since they have prevailed over conventional two-dimensionality – not from a "negative" point of view, but through the acknowledgement of a necessity. If it concerns creating a pictorial statement in which light, space and material are ranked as equals, objects have to be created.

The colour white, which is a non-colour in the more restrictive terms of colour theories, is the one best suited to the artistic context described here. White is the sum of all colours, or contains all colours within it. Hence the colour white is a kind of matrix, a germinal stratum, out of which the world of colour evolves and, conversely, withdraws into itself.

In the twentieth century, the artists of the ZERO group, Otto Piene, Heinz Mack and Günter Uecker, were especially preoccupied with the phenomenon of white. Their mission was to emancipate themselves from the fifties and the marked trend of those years towards painterly processes; they freed themselves from the bounds of the panel picture to link up once more with the historic avant-garde, such as Marcel Duchamp.

Udo Nöger's picture-objects do not directly relate to ZERO, regardless of whether they are treatments of the colour of white or not. Nor are they defined as aggressive works with elements which reverberate into the space around them, such as Uecker's nail objects. It is far more applicable to talk of an art of sensibility, which demands equal sensibility from its viewers. Sense psychology defines sensibility as the capability of the human nervous system to react to surrounding influences with sense impressions and feelings. Sensibility means the reception and integration of the stimuli we are exposed to. Sensibility to surface and sensibility to depth hereby form a totality that is distinctive in that the human being combines his or her world of feeling with a physical expression. This is just what happens when we look at the works of Udo Nöger, an effect born of their sensibility of structure. The desire to touch the painting, its surface, is immensely strong. Our reason tells us that we are adult and "sensible" people who shouldn't do this. Sometimes our emotions win. We have understood art.

Udo Nöger creates luminous monochrome paintings that capture light, movement and energy expressed in highly minimalistic compositions.

Nöger, who grew up in Enger, a town in Westphalia, Germany, emigrated to the U.S. in 1990 on a scholarship. In the earlier part of his career, he was known for his expressive figurative paintings that explore the dimensionality of color. These raw, mixed-media works were often populated by mysterious, archaic figures and symbolically charged imagery inspired by his travels.

One such trip was to the South Pacific, where Nöger discovered the ancient Rongorongo writings; a series of elemental glyphs made up of animals, figures and symbols used by the people of Easter Island centuries ago. Over time, he began to incorporate this ancient iconography into his work, eventually creating his own pictorial language, which gradually became more abstract. At the same time, Nöger began to refine his palette of dark, earthy hues until the color began to disappear altogether.

By the mid-nineties, Nöger began to focus his attention exclusively on the interaction between light, space and color, moving away from the more aggressive style of canvasses he was producing in favor of a minimal aesthetic that distilled his concept to its simplest form. His desire to go deeper into his ideas coupled with the boredom he experienced always working on the front of a canvas prompted the artist to go beyond the surface both materially and conceptually.

Nöger experimented with paper at first, creating translucency with mineral oil to see the effects of light on pigment applied to the underside. He then took the idea even further, eventually developing a technique that enabled him to capture, transform and reflect light, seemingly from inside his paintings. What distinguishes Nöger from other artists whose work is based on light is that he engages light itself as a medium.

To produce works that appear to emanate light from within, Nöger employs an almost architectural approach. The paintings comprise three layers of canvas mounted on stretchers set at a distance from one another. The interior canvas, from which the artist cuts out simplified biomorphic forms, functions as the actual pictorial plane. Once the internal composition is complete, the outermost surface is treated with mineral oil to amplify translucency and visually bring the composition to the forefront.

The resulting works are subtle and atmospheric, both in the visual nature of the paintings and in how they interact with the surrounding space—the kind of light, the quality of light, even the time of day can impact the viewing experience. While the paintings are rendered in a restrained palette of soft whites and grays, depending on the light that illuminates the work, faint shades of blue, purple and green can emerge.

Udo Nöger has exhibited extensively across the globe, including at Siegerlandmuseum, Siegen, and the Karl Ernst Osthaus-Museum, Hagen, Germany; Daum Museum of Contemporary Art, Sedalia, Missouri; Museum of Art Honolulu, Hawaii; and the Museum of Contemporary Art, Denver, Colorado. His work is in the permanent collections of The Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Contemporary Art, Denver; Art Institute of Chicago; Bass Museum, Miami; and Haus der Kunst, Munich, among others.

Born in Enger, Westfalen, Germany in 1961 | Works between San Diego, Miami, and Geneva.